Stefano Bessoni: El cine de terror en Italia esta muerto

Aprovechamos la ocasión de la presentación en Madrid de "Imago mortis" para charlar un rato con su director el afable Stefano Bessoni y la guapa y espontanea Oona Chaplin. Stefano Bossoni comienza diciéndonos ”Hablo poquito español”, así que mejor nos ayudara una traductora en la entrevista.

¿Crees que la película, por su genero, va a gustar por igual a publico y critica? Como ha sido recibida la película en Italia?

SB:El film en Italia ha ido bastante bien. No obstante su permanencia en taquilla ha sido bastante breve, porque la situación de la distribución cinematográfica es bastante problemática. Las películas no duran más de tres semanas y en ese tiempo la película ha recaudado cerca de un millón de euros con apenas 9 salas en su ultima semana. Lo cual se puede considerar en Italia un buen resultado. El publico y la critica están un poco divididos porque el film ha sufrido demasiadas escrituras y demasiadas simplificaciones a nivel de historia. Un poco culpa mía por mi inexperiencia. Esta es mi primer película importante y la gran labor de producción que hay detrás y he tenido muchas imposiciones. Tanto el publico como la critica estan de acuerdo en que la película a nivel visual es muy buena, recrea un mundo imaginario de fábula que funciona muy bien pero la critica ha echado de menos que se profundice en algunos personajes y en algunos aspectos de la historia. Sin embargo el gran publico grosso modo le ha gustado mucho la película, la ha apreciado.

Como dices hay un montón de guionistas en la película hasta 7, por ejemplo, Richard Stanley del cual somos fans . Con tanta reescritura ¿queda algo de Richard Stanley?

SB: (Risas) La escritura de esta película ha sido larguisima desde el punto de vista productivo porque ha durado cerca de 4 o 5 anos. Cada vez que entraba una productora nueva en el proyecto cambiaba el equipo, el guion y habia nuevos colaboradores. Richard Stanley estaba en una de las primeras fases. En su momento su guión me gustaba mucho funcionaba bien. A mi también me encanta Stanley. Y el trabajo con el fue muy positivo pero no era lo que estaba buscando. En esta primera versión la aproximación era muy moderna, muy a la americana, posteriormente fuimos abandonando la escritura de Stanley hasta el punto que no queda casi nada de el mas que el nombre del personaje LeiLou. Que es el personaje de Mila Jovovich en El Quinto Elemento de Besson (risas). El film tal y como esta ahora es fruto de la colaboración con Luis Berdejo, que si ha dejado su impronta.

¿Luis Berdejo es una "imposición" de la producción española?

SB Digamos que es una imposición muy positiva porque es normal que cuando se comienza a trabajar en una coproducción con otro país es normal que se quiera adaptar la escritura a los gustos de ese país. Pero gracias a esta imposición he estado muy felic de trabajar con Luis. Luis es un amigo. Incluso espero trabajar con Luis en el futuro porque ha sido buenísimo. Os voy a contar algo curioso, hace un tiempo, antes de empezar el rodaje de Imago Mortis, los dos estábamos desesperados aquí en Madrid en Agosto porque los dos queríamos hacer una película como fuera. Y dos meses después yo estaba rodando Imago Mortis y el se fue a Estados Unidos a hacer su primera película The New Daughter con Kevin Costner y nos llamábamos por teléfono y nos mandábamos mails diciendo eh fíjate hace dos meses éramos unos desconocidos y ahora por fin podemos hacer nuestra película.

Hablando de las localizaciones has dicho que buscabas un ambiente de fábula, de cuento pero me da la sensación que el ambiente es mas bien terrorífico…El que vea la película no va a querer estudiar cine en su vida.

SB: (risas) Yo que doy clases en una escuela de cine debo decir que el ambiente es mas terrorífico que el que se ve en la película (carcajadas). Hay mucha competitividad entre los alumnos que casi están dispuestos a matarse los unos a los otros por conseguir ser alguien. Pero esto que has dicho es muy importante, porque se piensa siempre que la fábula es un mundo idealizado, tranquilo donde hay un malo pero se acaba pronto con el. Pero cuando hablo de ambiente de fábula me refiero a los cuentos de los Hermanos Grimm. Porque el mundo que crearon en sus cuentos basados en las historias nordicas era terrible, posteriormente lo domesticamos pero en origen eran cosas como la madre asesina a los hijos, los cocina y se los da de comer al padre sin que lo sepa. Eran mucho mas terribles que muchas pelis de terror. En mi película, en mi cine me gustaria definirlo como fábula negra en la que los personajes se pierden por mundos oscuros. Los protagonistas Bruno y Arianna son como unos Hansel y Gretel que se pierden en el bosque y se encuentran con el Ogro. La eterna lucha entre el bien y el mal. Un mundo de fábula parecido a lo que hacia Guillermo del Toro en El Laberinto del Fauno en la que se fábula también sobre la realidad terrible de la guerra y el mundo imaginario donde se refugia es también terrible. Si pensamos en ese ogro con ojos en las manos podríamos pensar un poco en los hermanos Grimm.

¿Has hecho algún tipo de estudio o documentación para hablar del tanatoscopio? Existió algo parecido en la antigüedad?
SB: El tanatoscopio es pura invención, todos los experimentos son ficcion quizas estan un poco inspirados en los albores de la fotografía. De hecho un programa de Cuarto Milenio se dedico al Tanatoscopio donde se contaban todos los estudios que hicimos para dar esa apariencia de realidad al Tanatoscopio. Similar a la técnica fotográfica victoriana en sus procedimientos, para conseguir algo parecido a lo de la película, un experto de Harvard me explico que técnicamente era posible hacer una fotografía de lo que se ve en la retina en el momento de la muerte. Evidentemente el proceso habría que realizarlo completamente a oscuras, tanto la toma de la tanografia como su posterior revelado. Lo que era cinematográficamente imposible, visualmente hablando. Ahora incluso podríamos ver la imagen que se ha quedado impregnada en la rutina, aumentando la imagen con un microscopio miles de veces. Pero debería hacerse todo a oscuras no como el procedimiento de Magali en la película.
Hay un personaje que se llama Señora Nicolodi, ¿es esto un homenaje a Daria Nicolodi (la exmujer de Argento) y extensivo a Dario Argento?
SB Lo es. Es la otra cosa que queda de Richard Stanley. En el periodo que estaba trabajando Stanley en Imago Mortis coincidió con una invitación de Argento a ir a su casa en Italia y como homenaje bautizo así a uno de los personajes.
Vienes de una extensa tradición de cine fantastico italiano pero ahora mismo tu película es casi única en el panorama cinematográfico fantástico italiano. ¿Como ves esta situación?
SB: Esta muerto. Imago Mortis (risas). Pero espero seguir trabajando en el cine en este genero y poder relanzar junto con otros autores un poco el cine de genero en Italia, gótico, fantástico, terror. El futuro del cine según mi punto de vista es trabajando como coproducción para hacer un cine europeo. Por separado Italia, Francia, España no podemos competir con el cine americano. Ojala pasara lo que ha ocurrido en España con este renacimiento de cine de genero. He tenido que venir aquí para desarrollar esta peli. El miedo es de los que producen a hacer pelis de miedo más que de los que lo ven.

Silvia Garcia Jerez, Cristina Ruiz y Julio César Sánchez

A quemarropa con Juan Jose Campanella

Los colegas de Paura Flics, Hernan Moyano y Ramiro García Bogliano han tenido el honor de entrevistar a Juan José Campanella. Como diría Troy McClure, ustedes lo recordarán por títulos fundamentales como “El Mismo Amor, La Misma Lluvia”, “El Hijo De La Novia”, “Luna de Avellaneda”, “El Niño Que Gritó Puta” o por capítulos de series como “House” o “Law & Order”. Si aún así no les cae la ficha, entonces nunca sabrán de quién estamos hablando. Ahora Campanella se encuentra en pleno desarrollo de su nuevo largometraje, “La Pregunta De Sus Ojos”, una adaptación de la novela de Eduardo Sacheri con un reparto encabezado por Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella y Pablo Rago. Tuvo la gentileza de hacer un espacio en su agenda y contestarnos esta entrevista interesantísima en la que habla - entre muchos otros temas- sobre el cine de terror, la opinión que le merecen sus detractores o… ¡¡Ice-T!!.
Ojala la disfruten como nosotros…
¿Cuáles fueron las primeras películas que te impactaron?

-Si vamos a mi niñez, las primeras pelis que me dieron vuelta eran las de Disney y las de terror de los lunes a la noche por Canal 11. “Baron Sardonicus”, las de Drácula y Frankenstein de la Hammer, las Frankenstein originales, El Monstruo de la Laguna Negra, La Mosca de la Cabeza Blanca. Todos los lunes a la noche en el 11.
¿Contemplas volver a hacer una película más oscura, como “El Niño Que Grito Puta”?

-Sí, de hecho, mi próxima peli es bastante más oscura.
¿Qué opinas del cine de terror? ¿Cuáles son tus títulos favoritos dentro del género?

-Descontando las que mencioné antes, que de grande parecen ingenuas, te podría mencionar: La Novia de Frankenstein, La Mosca (De Croneneberg), Aliens (La segunda parte), Tiburón.
Con Caetano adentrándose en el terror y Lucrecia Martel encarando “El Eternauta”, ¿cómo ves el cine de género hoy en Argentina?

-Hablamos cuando las películas estén hechas. Lo de Lucrecia ha generado olas de envidia (blanca espero) entre todos los realizadores. Aunque hacer “El Eternauta” es una responsabilidad enorme.
¿Que piensas cuando lees criticas que señalan como aspecto negativo de tus peliculas, que obecezcan a los codigos del cine americano?.

-Me parece que es una crítica que viene de revistas simplonas que le interesan a los giles, esas revistas que quieren parecer inteligentes, pero que no saben lo suficiente. Paradójicamente, dicen que la estructura de tres actos es un código americano, cuando fue utilizada desde los griegos hasta ahora. Aristóteles la describe en su "Poética". Es la estructura de Shakepeare y de O'NEill. Dicen que mi humor es yanki, porque vieron muy poco o nada de cine italiano. Si no, no lo dirían. Y lo peor de todo es que si así fuera, ¿y qué? ¿Qué tiene de malo hacer cine como Lubitsch, Capra, o Wilder? El cine clásico americano, especialmente el de las décadas del 40 y del 70, es el mejor cine de la historia. También está directamente entroncado con mi experiencia como porteño, habitante de una ciudad americana de inmigrantes, con una fuerte influencia italo-judea. La verdad es que si bien lo dicen como un insulto, no me lo tomo así. Peor sería que me dijeran que mis películas se parecen al cine iraní o al de Ozu. No sólo me embola ese cine, sino que no tienen nada que ver conmigo.
¿Cómo trabajas las ideas para tus largometrajes? ¿Existe alguna constante para ti en ese proceso de generar ideas que terminan siendo tus películas?

- No. Cada largo tiene una génesis propia. “El Hijo de la Novia” es casi autobiográfico. “Luna de Avellaneda” surge a partir de conocer el Club Juventud Unida de Llavallol. Mi próxima película está basada en una novela.
Nos intriga mucho saber qué tal es tu trato con dos actores habituales de “La Ley El Orden”: Michael Moriarty y Ice T. ¿Nos podrías contar alguna anécdota sobre ellos?

-¡Ah, cholulos! Con Michael Moriarty no trabajé nunca, él es de “La Ley y el orden” original. Con Ice-T mi trato es excelente. Tiene una actitud absolutamente profesional y de diversión. Estilo “vamos, hagamos la escena bien y rápido, pasemoslá lo mejor posible” y me vuelvo a casa. Además, somos dos fanáticos de los gadgets (camaritas, teléfonos, compus) y hablamos mucho de eso.
La miniserie “Vientos De Agua” te consumió el esfuerzo de lo que habrían sido varios largometrajes. ¿Qué balance haces de la experiencia?

Buenísimo. Es sin dudas lo más abarcativo que hice en mi vida. Creo que si hablás con todos los que trabajaronen la serie te dirán que es la obra de la que están más orgullosos. A mí me dejó vacío de historias durante dos años. Todavía sigo recibiendo muestras de amor por la serie. Aclaro, amor HACIA la serie. Como el DVD ha sido muy exitoso en sus ventas, tiene una larguísima vida.
Según tenemos entendido tu próxima película “La Pregunta De Tus Ojos”, rescata a los personajes de “El Mismo Amor, La Misma Lluvia”… ¿Planeas seguirlos a lo largo de tu filmografía como Truffaut a Antoine Doinel?

-Es “La Pregunta de Sus Ojos”, no “Tus”. No, no son los mismos personajes. Es la misma pareja de actores, pero no tiene nada que ver. Me hubiera encantado hacer un “Mismo Amor” cada diez años. Es una idea que tenía. Incluso ya estábamos armando la segunda parte, que iba a transcurrir en tiempo real, un encuentro fortuito entre los dos. Y salió “Antes del Anochecer” o “amanecer” o no sé cuál de las dos, y se nos adelantó con el recurso. Me encantaría hacer una segunda parte, seguir a dos personajes a lo largo de sus vidas, dos amores que nunca llegan a realizarse. Por ahí cada quince años, o cada veinte.
¿Tienes algún “proyecto soñado” que acaricias desde hace mucho tiempo y todavía no has llegado a realizar?

No.

Hernan Moyano y Ramiro García Bogliano

Alex de la Iglesia: "Todos somos un poco asesinos"

En primer lugar preguntarte por ¿como ha sido adaptar una novela por encargo con tanto dialogo para un director tan visual como tu?

-Alex De La Iglesia: Esa es precisamente la razón por la que he hecho la película. Es una película de misterio, en principio es una película muy clásica, una Murder Mistery Movie, una de crímenes como las antiguas en la que hay que descubrir quien es el asesino. Lo que pasa es que la película transcurre en un ambiente universitario y los protagonistas son un profesor de lógica y un estudiante de matemáticas entonces el punto de vista es diferente. La acción no ocurre tanto en lo que hacen como en lo que dicen los personajes. Y es a mi lo que me pareció más interesante cuando Gerardo Herrero me propuso hacerla. Es cambiar el punto de vista a la hora de dirigir y centrarse en los personajes y en los diálogos. Y sin duda estamos haciendo una película de entretenimiento, de acción y misterio y lo maravilloso era encontrar la manera de emplazar la acción en los diálogos sin que perdiera el empaque visual que queria que tuviera la película. Esa confrontación entre dos aspectos en principio contradictorios era lo que me llamaba la atención.

¿Cómo ha sido trabajar en ingles y dirigir a los actores en ingles?

-A: Pues difícil sin duda. En ese sentido yo soy un poco de la escuela Garci, mi ingles no es perfecto en absoluto, he contado con la paciencia, con la inmensa paciencia de dos actores maravillosos como son John Hurt y Elijah Wood. He aprendido mucho y lo principal que he descubierto a la hora de dirigir a los actores es encontrar el tono en las frases, el tono en la manera de hablar los personajes y eso si he podido hacerlo gracias a ellos. Incluso he podido marcar la acentuación en cada frase porque estos actores lo maravilloso que tienen es que me ayudan a dirigir la película. Es como trabajar con actores que tuvieran un catalogó de interpretación. Ellos abren una guía y me dicen ¿Qué es lo que quieres?. Aquí tienes esta posibilidad aquí tienes esta otra, aquí puedo estar enfadado, aquí puedo estar triste, hasta aquí puedo llegar. Eso es absolutamente maravilloso, porque te da tranquilidad y libertad. Tu no eres el motor que empuja a los demás sino que son ellos los que te empujan a elegir entre sus infinitas posibilidades.

-En esta ocasión no hay humor…

A:“Perdita Durango” no era una comedia. Muchas de mis películas no son comedias. “Muertos de Risa” por ejemplo no era una comedia era una película particularmente desagradable sobre dos humoristas. En el caso de “El Día de la Bestia”, vista la película puede parecer una comedia pero cuando leían el guión los productores me decían ¿donde esta la gracia?. Y yo les decía te aseguro que esto puede resultar gracioso, pero en principio no era una comedia. En “Los Crímenes de Oxford” no quiero hacer comedia, es un drama y sobre todo es una película de misterio. Yo creo que no es conveniente mezclar una cosa con otra lo cual no significa que no lo vaya a hacer una comedia después. No estoy cambiando de rumbo, ni renunciando a lo que he hecho. Quiero disfrutar haciendo cine y que la gente disfrute conmigo. Quiero abordar los proyectos que me resultan atractivos, apasionantes, en la medida de que suponen algo nuevo para mi, un riesgo para ti, hay esta la emoción de rodar e incluso de vivir.

-¿Como fue trabajar con Elijah?.

A:Creo que Elija es un caso de actor que lleva trabajando desde los 8 años, no ha parado prácticamente y que para él es más normal rodar que vivir. Lo maravilloso de ello es que esa humildad y caballerosidad la tiene trabajando. No es normal, es extraordinario a la hora de trabajar, su entrega, a habido momentos complicados en la película. Me gustaría contar una anécdota que ya he contado varias veces muy ilustrativa de cómo es el trabajo con Elijah Wood. Rodábamos en un edificio histórico de, que para los londinenses son muy importantes, evidentemente. Tanto es así que se podía cruzar una carretera con un coche porque era terreno histórico pero conseguí que nos dejaran rodar en el tejado, porque sino rodábamos en el tejado la escena no valía para nada. Pero no nos dejaron entrar en el edificio. Y no nos dimos cuanta de eso hasta el día del rodaje en el que yo voy a entrar y me dicen nooo. Y yo ¿no íbamos a rodar en el tejado?. Si puedes rodar en el tejado pero no puedes entrar en el edificio para acceder al tejado. Vale, ¿entonces como vamos a hacer esto?. Perdimos unas preciosísimas horas de rodaje trayendo una enorme grúa para subir no solo los equipos al tejado sino también a los actores. Encima del tejado había una persona encargada de la seguridad, Health and safety, encargado de velar por el edificio y por la gente. Realmente estaba más por el edificio que por la gente. Mi maquinista tiene sesenta y pico años, ya ronda los 70. Se llama Freddy. Freddy con sus miles de años tuvo que pegar un salto de la grua al tejado, con la cámara a cuestas. Había alli unos simpáticos cables que se suponía que eran para agarrarte a ellos con un gancho cuando andabas por ahi. Pero en ese momento solo estaban allí para tropezarte con ellos y caerte al vacio. En esa situación perdimos horas. Y tenia que rodar 7 o 10 planos en una hora. Uno de los planos era la Elijah cayendo después de Burn Gorman le golpeara, en ese momento empezó a llover. Le dije a Elijah, mira tenemos que cambiar la posición de cámara porque llueve y no se tiene que ver que llueve, así que si no te importa lo cambiamos y lo hacemos en este suelo de estaño. Esto a bajo cero. Él estaba con un smoking absurdo cuando yo llevaba 35 jerséis y 25 gabardinas encima. Y él a pelo allí, le digo ahora es el momento en que caes y te tropiezas. Rodamos una toma , cae, se tropieza. Le digo que se nota un poco que pones la mano, ¿podrías no poner la mano? Y además se nota que llevas protecciones. Como el plano es tan corto se nota todo. ¿Te puedes quitar las protecciones y estrellar tu cara contra el suelo para este momento, por favor? (risas). Entonces Elijas alegre, porque siempre esta alegre, dijo “por supuesto, no problem”. Yo vi como su cara se estrellaba contra el estaño. Placa. Y me dice el cámara: “esta fuera de foco” (más risas). A todo esto seguía lloviendo a mares, el frio aumentaba y le digo a Elijah: ¿Puedes repetirlo por favor, sin las manos, con la cara, sin las manos y en esta cruz, tu nariz en la cruz?. Él: No problem. Lo volvió a hacer y tampoco quedo bien, y lo repetimos 7 veces. Y al final le dije a Elijah, por favor perdóname soy un desastre y el dijo algo que no olvidare nunca. It’s my job. Es mi trabajo es lo mejor que te pueden decir.
-A raíz del rodaje ¿Quería preguntarte por Películas para no dormir donde ya trabajaste con Leonor Watling?.

-A: Eso lo hicimos en cuatro semanas. Hay Leonor me ayudo mucho. Podíamos rodar una secuencia entera en una toma. Entonces ella tenia que construir los planos, primero te acercas aquí y haces el general, luego te alejas y haces el corto, luego el medio, miras hacia allí, que ya se que no hay nadie pero tu mira igual. Saluda, él esta allá, pero tu saluda ahí. La gente no sabe que cuando ruedas todo es mucho más mentira de lo que parece, hasta en una situación normal. Normalmente empezamos por el final, no he tenido la suerte de rodar cronológicamente.

-La película enfrenta dos formas de ver la vida, una muy teórica y otra más practica…

-A: Por supuesto que si, en todo guión hay dos flops, por un lado esta la trama que se desarrolla con los personajes y por el otro lado la subtrama lo que quieres contar y que unifica la película y nos da la sensación de estar viendo una película. Es difícil encontrar esa trama, es encontrar el resumen de la película en una frase o en frase y media. Intentas definir que es el padrino y es complicadísimo decir en una frase. Es la historia de un hombre que intenta vivir y descubre que la vida acaba destruyéndote. Es un camino a la destrucción. Son ideas muy generales pero que definen lo que estas contando. La peli es una confrontación entre dos formas de vida; una es de la persona que sabe demasiado, no solamente es una película de Hitchcock, es la verdad, cuando eres una persona como Seldon que lo ha estudiado todo y parece que lo ha conocido todo. Llega un momento en que descubre dos cosas, una no cree particularmente en nada, desconfía de todo y sobre todo intenta evitar la vida, refugiándose en los libros. Porque vivir duele. Es equivocarse y muchas veces esos errores terminan siendo insoportables. Sin embargo Martin es todo lo contrario. Es una persona que confía increíblemente en si mismo porque todavía no ha empezado la partida, a jugar la vida. Esta convencido de sus poderes cree que es posible descubrir la verdad, porque es mas listo que los demás. Los demás no han llegado a profundizar lo suficiente, cree que las cosas tienen sentido, cree que si te esfuerzas llegas algo, y quiere llegar a ese sentido profundo de las cosas que son los números. Detrás de las cosas hay números. Y si sabes descifrar los números, descifrar la realidad. Y de esas posturas enfrentadas sale la chispa que hace que se mueva la película. Desgraciadamente yo me encuentro entre ambas posturas, por un lado tengo una desconfianza de las cosas y por otro como Martin creo que al final el séptimo de caballería nos salvara a todos. Creo que las cosas, si no lo tienen, deberían tener un sentido. Ese sentimiento optimista me hace creer que tendría que haber una forma de averiguar cual es. La película es el viaje que emprende Martin y los obstáculos que le pone Seldon en su investigación. Resulta que el encontrar asesino de esa vieja le lleva a descubrirse a si mismo. Las razones por las que ha ido a esa casa, que no es casualidad. Va porque le interesa. Descubre un secreto detrás de las cosas, el que ha querido. Descubre en su búsqueda del asesino que todos somos un poco asesinos.
Silvia García Jerez

Robert Rodriguez: "Todo el mundo puede acojonarse"

Hay pocas películas que me hayan gustado este verano y ésta puede apuntarse a la corta lista de preferencias. Virus, zombies, buen humor… no se puede pedir más en verano o en cualquier otra época del año. Así que conocer al responsable de “Planet Terror” fue fantástico, como os podéis imaginar. El altísimo Robert Rodríguez y su protagonista y novia, Rose McGowan pasaron por Madrid para contarnos cómo se hizo y qué ocurrió durante el rodaje. Por supuesto, sin soltar prenda de su reciente romance. Pudimos hacerle alguna pregunta y enterarnos de algunos de los entresijos de “Grindhouse” y de sus proximos proyectos. La primera es obligada porque dividir “Grindhouse” en dos partes fuera de Estados Unidos?.

- Desde el principio la idea era hacer un programa doble en Estados Unidos como en los viejos tiempos, y luego hablamos con otros paises como Inglaterra y Australia que tambien sabian lo que era un programa doble. Cuando fuimos a otros paises extranjeros, no entendian el concepto, querían comprarlas ambas películas por separado. Entonces dijimos, hagamos un programa doble en los Estados Unidos y cuando saliera en DVD ponerlas por separado al principio. Porque era una cosa arriesgada sacar dos películas a la vez, de tan larga duración, podría ser demasiado para alguna gente, aunque para nosotros fuera una ganga.
-¿Como ve alguien como tu, que se maneja normalmente con pelis de bajos presupuestos aparecer en el Hollywood Reporter como el tercer director más influyente del momento?.
(Comienza hablando español pero se excusa por lo temprano que es continua en ingles) No lo sabia. Es raro, debe ser porque me gasto tan poco en las películas y luego son muy rentables. En Hollywood la mayoría de películas cuestan 150 millones de dolares y luego dan 175. Es una locura. Yo no llego nunca a los 40 y luego con las ventas al extranjero recaudan más de 100. Me gusta mantener el presupuesto bajo porque supone menos riesgo para el estudio y asi te dan más libertad. Asi tengo la libertad de hacer una película sobre una chica guapa que tiene una ametralladora por pierna, si quiero. Y nadie puede decirme que no puedo. Me gusta esa clase de libertad.
-Sin embargo “Sin City” y “Planet Terror” no parecen muy baratas…
-(risas) Os he engañado porque esta película ha sido mucho más barata que “Spy Kids 2” o “Spy Kids” incluso más o menos lo mismo que “El Mejicano (Once upon a time in Mexico)” que se rodo en Mejico con lo que resulto muy barata de por si. Es cierto que he hecho alguna película más cara como “Sin City” pero principalmente por el reparto. Era un reparto enorme y con muchas estrellas. En cualquier caso yo creo en como las ideas que tengo en llevarlas a la pantalla de la forma más barata posible. Porque así puedo tener libertad. Controlo mucho todo el proceso.
-¿Cuáles han sido tus referentes y como has intentado renovar?.
La película esta basada en las primeras películas que vi que fueron la serie B de los 70 americanas y de principios de los 80 en los programas dobles de cines de barrio. Películas que estaban hechas con muy bajos presupuestos, que tenian grandes ideas pero no el suficiente dinero para llevarlas acabo y que intentaban ser dramaticas aunque muchas veces resultaran comicas. Quentin (Tarantino) y yo intentamos coger estas grandes ideas y convertirlas en películas modernas con más medios. Lo que me atraia de estas películas cuando era niño, las pelis de Romero como “La Noche de los Muertos Vivientes o “Dawn of the Dead”, era esa caotica sensación de que el mundo se habia terminado y como la gente reaccionaba a ello. Lo encuentro fascinante y aterrador. Es una fantasia pero te hace pensar en la naturaleza humana cuando se enfrenta a una catastrofe. ¿Cómo reaccionamos ante una catastrofe como la del World Trade Center o un huracan?. Todo el mundo puede acojonarse. Yo tenia la idea de esta gente que es contagiada por armas quimicas y una panda de extraños que debe unirse una noche para luchar juntos por sus vidas como en un thriller de acción. Con una Gogo convertida en una especie de mesias que lleva a esta grupo a la tierra prometida sin ninguna otra pretensión. Es parte de lo bueno del cine. Nunca mueres realmente, vives para siempre. Tu trabajo inspira a una generación y luego a otra. A veces la gente se inspira en cineastas que a su vez se habian inspirado en otros anteriores y te das cuenta de donde viene. Como con gente como Antonioni o Bergman (recientemente fallecidos).
-¿Cuanto hay de ironia en la peli?.
Durante toda la película “Planet Terror” se traspasa una fina línea entre ser seria, cómica, a veces terrorífica, y otras un poco una parodia de aquellas películas que eran muy terroríficas o divertidas o asquerosas. Muchas de aquellas películas estaban hechas por directores que estaban empezando y no conocian las reglas, a veces llegaban demasiado lejos. Yo quería hacer eso. Se puede ver que la peli es muy surrealista, en momentos puedes decir “Hey, eso no se puede hacer”y aún asi ser divertido, por ejemplo en las escenas de Quentin con todo lo de la violación y su pene…Caminamos en la línea entre lo serio y lo cómico e intentamos encontrar el equilibrio. Los actores saben hacerlo y se lo tomaron muy en serio. Esa es la clave, los actores tienen que hacerlo realista aunque se trate de algo fantástico.

-Nos ha sorprendido que una película que en apariencia era mera diversión, tenga tanta carga politica…
-Eso era algo que ocurría en el cine de entonces. Si algo pasaba en otro país ellos se beneficiaban de la situación e intentaban situar su historia en un contexto social y de esta forma también conseguían sorprender a los fans, que no esperaban algo así. Hay que decir también que como estas películas costaban poco, se podían hacer más rápido y por ejemplo cuando "Alguien voló sobre el nido del Cuco” ganó Oscars por tratar el tema de la locura en los hospitales, una película de Jonathan Demme y otra de Roger Corman ya habían hablado de ella antes, pero tal vez la de Milos Forman fuera más convencional.
-¿Por qué decidiste darle un tratamiento digital a “Planet Terror”?
Ya estaba cansado de rodar con película. Comencé a filmar en video cuando tenia 12 añitos. Cuando empece a hacer cine con “El Mariachi” me dije ¿Qué?. ¿Esto es todo lo que pudo hacer?. Es una herramienta tan limitada. Para la epoca en que rode la primera “Spy Kids” en digital ya estaba preparado para hacer más efectos especiales y un montón de cosas que no podía hasta entonces y que se adecuaba más con la visión que tenía. Esta ya es mi septima película en High Definition. Una vez que empiezas con el digital ya no quieres regresar. Es como si te dejan probar un Ferrari y luego te quieren hacer volver a un carro con mulas.
-¿Cuál crees que es el futuro de la exhibición cinematográfica?.
En la epoca en la que vivimos con el DVD, las grandes televisiones de plasma y LCD, incluso gente como yo puede pensar que es el fin de ver cine en las salas de cine. Tenemos que cortar con eso. Incluso aunque la gente piense que es más facil verlo en casa, tenemos que darles algo que merezca la pena ver en salas. Incluso yo he rodado en tres dimensiones con “Spy Kids 3D”, algo que no se hacia hace más de 20 años, para intentar hacer la experiencia cinematográfica más excitante. Si esto funciona entonces los estudios harían más salas de proyección en digital y con pelis en 3D. Para mi la experiencia de verlo en una gran pantalla en una sala no es superada por nada. Igual que hace años la televisión en color obligo a los cineastas a superarse, nosotros debemos hacer lo mismo. Las grandes historias se deben contar y ver en las salas de cine.
-¿Qué hay de los rumores del remake de “Barbarella” y de la secuela de “Sin City”?.
Estoy trabajando en un par de cosas ahora mismo. Se que ha habido muchos rumores y se que quiero hacer “Sin City 2”. Estamos trabajando en el guión de “Barbarella” pero no hemos empezado el casting ni nada. Y estamos con otro par de proyectos que en el caso de que no se haga uno saltar al otro. Tenemos el guión de “Sin City 2” que es lo que para mi tiene más posibilidades de ser lo siguiente. Pero ahora mismo estamos concentrados en “Barbarella”, es Ciencia Ficción y es un proyecto grande.
-Hablando de rumores, ¿Qué hay de cierto en que se va a hacer una película sobre uno de los trailers falsos de Grindhouse “Machete”?.
-Es cierto. Queremos hacer una película sobre Machete. El guion esta escrito. Danny Trejo me llama todos los dias (poniendo voz ronca) “Robert, Estoy en mi mejor momento y listo para rodar”. Podemos estar listos para empezar a rodar en un par de meses. Es algo muy facil de hacer. Tenemos un monton escrito y es un proyecto muy, muy divertido. Lo escribí hace mucho tiempo, en 1993.

Silvia García Jerez

Rian Johnson: "Ni siquiera en America los institutos son como en Brick"

Imaginad una buena peli de cine negro. Una de las buenas de verdad. Una en la que el protagonista intenta resolver un crimen teniendo en contra todos los elementos posibles. Una en la que las mujeres fatales son muy guapas y muy malas. Una en la que los villanos son señores del hampa y matones con pocas luces dispuestos a hacer picadillo a nuestro héroe. Ahora imaginad que toda esta trama se desarrolla en un instituto y sus protagonistas no pasan de los 18 años. No hace falta que os lo imaginéis, solo tenéis que ver “Brick”.Una de las sorpresas del Festival de Sitges (y del año también) a todos los niveles: por ser algo fresco, por ser algo bueno y por la buena labor de sus jóvenes protagonistas y de su director con el que estuvimos charlando...

-QNSCAN: A pesar de la juventud de los protagonistas de “Brick”, les has tratado como si fueran auténticos adultos. Esto no es algo que se vea mucho.
-Rian Johnson: Si. Es algo que tenía muy claro desde el principio. Cuando eres joven, te crees que eres muy inteligente. No ves a los adolescentes como estupidos, al contrario. Tienes problemas tan vitales como los adultos. Mucha gente adulta al ver la película le ha molestado esto. No entienden porque no se comportan como imbeciles. Cuando eres adolescente, crees que eres el tipo más inteligente del planeta. Quería reflejar ese sentimiento.
-QNSCAN:¿Por qué conviertes a un señor del crimen, al traficante de drogas “The Pin”, en un empollón con zapatos ortopédicos que vive con su madre?.
-R.J.: Es algo de Dashiell Hammett, de “El Halcón Maltes”. En la película están hablando todo el tiempo de que va a llegar “El Hombre Gordo” y de lo peligroso que es. Y piensas que va a ser un gordo hijo de puta y luego llega Sydney Greenstreet que es casi cómico pero que también da miedo. Eso quería conseguir con “The Pin”. Quería que los malos fueran muy humanos y por eso elegí a Lukas Haas para que lo interpretara al que recordamos por ser el niño de “Único Testigo” y que hoy sigue pareciendo ese niño con esos ojos y esas grandes orejas. Transmite ternura e inteligencia pero también algo oscuro y peligroso.
-QNSCAN: ¿De donde surgió la idea? ¿Era tu instituto parecido?.
-R.J.: En el instituto yo era como “The Pin” (risas). No estaba intentando crear algo realista pero me interesaba mostrar los sentimientos de los adolescentes. Ni siquiera en América los institutos son así (risas).
-QNSCAN: Has hablado de Dashiell Hammett, es obvia su influencia y tambien la de Raymond Chandler y la novela negra. Hasta incluyes pequeños homenajes…
-R.J.: Me encanta Dashiell Hammett y sus libros y toda la literatura Hard Boiled, desde luego. Por eso quería hacer una película de detectives. El problema es que esas pelis tenían una iconografía muy estereotipada. Todos tenemos a Humphrey Bogart y su gabardina en la cabeza. Y yo queria coger esos elementos y trasladarlos a un escenario completamente distinto. Tampoco quería desconstruir el género, ni nada parecido. Quería que le gustase a la gente. Respecto a los homenajes lo hice como divertimento pequeñas cositas aquí y allá para el que supiera apreciarlos pero que la peli funcionara como un todo sin necesidad de conocer esas referencias.
-QNSCAN: ¿Qué otros directores te han influido?.
-R.J.: Soy muy freak para eso. Me gustan muchísimos directores. Para Brick en concreto me fije mucho en los hermanos Coen y como introducen humor en situaciones dramáticas. También gente como David Lynch a la hora de manejar el espacio. Y Sergio Leone. Hay mucho de Sergio Leone en “Brick”, la rodé como si fuera un western de Leone.
-QNSCAN: Tu primer trabajo fue como montador de “May” de Lucky Mckee. ¿Cómo fue la experiencia y tu relación con Lucky McKee?.
-R.J.: Conozco a Lucky McKee desde la facultad. Somos muy amigos. De hecho “May” fue mi primer película como editor profesional, así que fue un buen aprendizaje pero no quiero seguir editando para otros. Lucky McKee empieza a rodar el mes que viene su nueva película “Red”, basada en la novela de Jack Ketchum, y me ha pedido que dirija una de las secuencias de la película en la que transcurre un sueño. Estaré encantado de ser su director invitado.
-QNSCAN: ¿Te gustaría hacer un film de terror dandole un tratamiento original parecido al que le has dado al cine negro en “Brick”?.
-R.J.: Claro que me gustan las pelis de terror. A diferencia de mis amigos como Lucky Mckee a mi no me gusta demasiado el terror moderno, muy sangriento. Adoro las cintas clásicas como “El Resplandor” o “La Semilla del diablo (Rosemary’s Baby)” pero no mucho el cine moderno de terror, demasiada sangre para mi. Pero por supuesto que me encantaría hacer una cinta de terror.
-QNSCAN: ¿Que vas a hacer a continuación?, ¿Seguirás con el cine negro?.
-R.J.: Con suerte mi próxima película será “The Brothers Bloom”, una peli de timadores al estilo de “El Golpe (The Sting)”. Alejada del cine negro clásico. Uno de mis directores preferidos es Stanley Kubrick, y cada película que hacía era distinta de la anterior. A mi me gustaría poder hacer eso también.

Julio C. Sánchez

Jaume Balaguero y sus Historias para no dormir

Aprovechando que Jaume Balaguero estaba en Madrid presentando su "Película para no dormir" en la III Muestra de Cine Fántastico la gente de Que No Se Culpe a Nadíe aprovechamos para inportunarle con nuestras preguntas a las que respondío muy amablamente.

QNSCAN: ¿Cómo te han influido las “Historias para no dormir” originales de Chicho, tanto en tu vida como en tu carrera?
BALAGUERÓ: Es que lo que yo más recuerdo más de las “Historias para no dormir” es la impresión que me causaban más que cada historia en concreto o más que cada historia que haya podido ver. De hecho, vi muy pocas porque yo era muy pequeño en aquella época. Era un poco el impacto que me producía el concepto; saber que existía una serie, que había una persona que hacía capítulos de terror para televisión y cómo aquello me había influido de niño. El concepto mismo de la serie.
QNSCAN: Y ahora que has trabajado en esta versión, ¿cómo ha sido la relación con Chicho? ¿Os ha dado libertad a cada uno?
BALAGUERÓ: La relación con Chicho ha sido de admiradores hacia admirado. Al principio, cuando se gestaba toda esta historia hacíamos cenas para discutir, para hablar, para planificar. Nos lo pasábamos muy bien. Al final en lo que quedamos es que es cada uno iba a dirigir su película, una película para televisión de terror, una “Historia para no dormir”, Chicho iba a dirigir una de ellas pero no iba a ejercer de productor. Iba a estar como una figura que guía a los otros directores: era como un inspirador que estaba ahí pero que además también hacía su película.

QNSCAN: Siento que con esta nueva película has pasado de conceptos de terror más abstractos, intangibles de tus anteriores trabajos a algo más físico y violento e incluso con un puntito de crítica social…
BALAGUERÓ: Sin duda. Queríamos hacer una película realista, violenta, agresiva, dura. Y a los actores y a mi nos apetecía mucho hacer una película, como decías, muy física en lo que ves y no sólo en lo que ves sino incluso en cómo la rodamos. Todo lo que ves lo hicieron los actores. Macarena (Gómez) bajó por el tubo excepto algunos planos concretos que utilizamos a un especialista, pero casi todos los planos, todos los golpes, todas las luchas, todo lo hacían los actores de manera que todos los días acabaron absolutamente extenuados. De hecho, a Macarena y Nuria (González) hubo que ponerles un fisioterapeuta después del rodaje porque tenían graves problemas físicos por el cansancio y por los golpes que se daban. Y yo incluso llegue a preocuparme por algunas heridas que Macarena se hizo durante el rodaje.
QNSCAN: ¿Te has sentido cómodo rodando otra vez en español?
BALAGUERÓ: Si.
QNSCAN: Es que se nota.
BALAGUERÓ: Siempre uno se siente más cómodo rodando en su lengua, si.
QNSCAN: ¿Qué te pareció el éxito de “Darkness” en Estados Unidos? ¿Te sorprendió o te lo esperabas?
BALAGUERÓ: La verdad es que el éxito de una película tuya siempre sorprende, porque uno nunca espera que algo que uno ha hecho vaya a tener un éxito realmente importante allí.
QNSCAN: Incluso con poca promoción…
BALAGUERÓ: Fue un estreno realmente pequeño, les sorprendió incluso a ellos. Una película complicada para mí, una película difícil. “Darkness” es una película intencionadamente extraña, muy compleja e incluso muy incomprendida a veces. Y de pronto funciona como si fuese un “standard” del terror más… Sé que tiene esa apariencia, pero que esconde otras cosas dentro de esa apariencia. Pero a mi me sorprendió su éxito, la verdad que sí.
QNSCAN: ¿Qué tal fue la experiencia de trabajar ese guión con Fernando de Felipe?
BALAGUERÓ: Pues muy bien, para mí muy bien. (Se sonríe) Lo que no sé si él quedó muy contento al final con la película. Fueron muy complicados los procesos porque como había una cierta intervención de Miramax, que no eran coproductores pero si los distribuidores que habían pre-comprado los derechos para Estados Unidos, hubo mucha complejidad en todos los procesos de llevar a cabo esa peli; desde el momento del guión, de la preparación, en la postproducción… Hubo muchos problemas.
QNSCAN: Lo próximo ¿cómo va a ser, en ingles o en español?
BALAGUERÓ: Lo próximo creo que va a ser en ingles y será la adaptación de una novela de José Carlos Somoza que se llama “La Dama número 13”. Estamos trabajando en ello.
QNSCAN: Después del éxito de “Darkness” y pendiente del estreno en Estados Unidos de “Frágiles”…
BALAGUERÓ: “Frágiles” se estrena en septiembre.
QNSCAN: ¿Te has sentido tentado por Hollywood?
BALAGUERÓ: Si, varias veces pero es algo que me asusta. Me asusta irme allí sólo por el “glamour” que supone irme allí a hacer una película que no me ha nacido desde un principio. Me asusta mucho hacer de mercenario y más en una industria como esa que no es como la de aquí, puede ser muy traumático. Hay otros directores que si lo han hecho y son amigos; Guillermo del Toro por ejemplo. Ahora es posible que me vaya a hacer uno de los "Masters Of Horror” pero estamos viendo todavía si es posible por cómo llevamos la nueva película que estamos preparando. Pero igual si, a final de año me iría para hacer uno. Me apetece mucho.
QNSCAN: Encajarías perfecto, sobre todo porque después de ver estas “Películas para no dormir” el nivel es mejor que el de “Masters”. Bastante mejor.
BALAGUERÓ: Nosotros tuvimos más días de rodaje.
"Masters Of Horror” es una cosa que hacen en diez días. El presupuesto es similar, pero aquí tenemos cinco semanas y allí tienen diez días, que son dos.
QNSCAN: El hecho de que “Para Entrar A Vivir” sea una película de una escala bastante más pequeña que tus dos largos anteriores ¿te ha hecho sentir más cómodo? ¿En qué te ha influido?
BALAGUERÓ: Hombre, yo creo que todas las películas son muy difíciles; las que valen 12 millones de euros y las que valen (se lo piensa) ¿2? Son igual de difíciles, porque la complejidad es similar. Por más dinero que metas siempre van a surgir complicaciones por otro lado. Y va a ser difícil llegar. A veces dicen: “es que vas a tener mucho dinero, vas a estar muy cómodo” No. Tienes 12 millones de euros y sin embargo te das cuenta que estas intentando llegar y no puedes. El dinero no viene a una película pequeña, el dinero viene cuando una película se va agrandando con lo que las necesidades también se van agrandando. En ese sentido, esta película fue tan complicada como cualquier otra. Pero lo que sí es cierto es que en ésta lo hemos pasado muy bien. Más quizá que en las otras.

QNSCAN: Se nota. Una curiosidad. Mientras veíamos tu película nos vino a la mente una película que se llama “Trampa Para Turistas”. ¿La has visto?
BALAGUERÓ: Creo que la he visto, pero no…
QNSCAN: Está todo el tema de los maniquíes…
BALAGUERÓ: ¿De quién era esa película?
QNSCAN: David Schmoeller.
BALAGUERÓ: Yo creo que si que la he visto, no la recuerdo, pero me suena.
QNSCAN: Tu próxima película, ¿va a seguir la pauta violenta y explícita de tu “Película para no dormir” o vas a regresar a las presencias, los fantasmas, la sugerencia?
BALAGUERÓ: No. La novela en la que se basa no es de fantasmas y es una novela extremadamente (Balagueró enfatiza esa palabra) violenta. O sea, es una novela de unos límites de violencia casi inaceptables. Y es necesario llegar a eso para que tenga efecto. De todos modos, la de esta nueva película será otro tipo de violencia al de “Para Entrar A Vivir”. Será también muy física, pero diferente.
QNSCAN: Muchas gracias por tu tiempo.

Agradecemos la contribución digital de Paco Limón y los besos y mohines de Macarena Gómez.
Ramiro G. Bogliano, Agustin Agudo, Julio C. Sánchez

En la foto de arriba, Adriá Collado y Nuria Gonzalez explicandole como funciona una tostadora en "Para entrar a vivir", un poco más abajo, Macarena dejandose la piel en la piel en cada peli. Y los afiches de "Darkness" y "Trampa para Turistas"

El Horror de Dante Tomaselli

Olvidaos momentáneamente de los Miikes, Tsukamotos y otros majaras que inundan nuestro subconsciente a base de festivales y DVDs y centraros un poquillo en gente como Dante Tomaselli y otros como Adrián G. Bogliano, Nick Palumbo y Greg Stechman, ya tendréis tiempo de aburriros viendo tropelías orientales.
Continuamos esta sección con una entrevista hecha a través del correo electrónico con uno de los nuevos reyes del cine de terror verdaderamente independiente de los USA, Dante Tomaselli, director de un buen puñado de títulos de culto y muy poco conocidos por estas tierras como "Horror" o "Satan’s playground".
Cuando nos planteamos entrevistar a un director de genero tan ocupado como Dante, uno mismo se pregunta ¿Tendrá tiempo de concedernos una entrevista mientras se encuentra en Puerto Rico en pleno rodaje?. Pero pronto nos damos cuenta que es un tío agradable aparte de un cineasta francotirador.
Siendo un fan del genero desde pequeño, ¿Que clase de películas te influenciaron más como futuro director?
DT: Empecé a verlas desde los 3 años, en 1973 ya estaba viendo pelis de terror, estaba obsesionado con ellas. Películas como “Amenaza en la Sombra”, “El Exorcista”, “La profecía”, “La Centinela” y “Halloween”. También terror de finales de los 70 principios de los 80... films como “Cromosoma 3”, “Terror en Amityville”, “Carrie”, “La Niebla”, “Posesión Infernal”, “La Matanza de Texas”...

- ¿Quien fue la primera persona (si lo hizo alguien)que te introdujo en el mundo del cine?

DT: Yo mismo. Cuando tenía 23 puse un anuncio en el Village Voice, buscando a gente para trabajar en una peli de terror de verdad. El anuncio atrajo a todo tipo de gente, desde Long Island, Staten Island, Brooklyn, The Bronx, New Jersey... Había artistas de efectos especiales, fotógrafos, Camarógrafos, diseñadores de producción, asistentes de producción, de todo. Así que estaba en una situación única para dirigir "Mama's Boy" en 16 mm con un equipo profesional. A esa edad tenía muy poca experiencia, excepto por algunos cortos de bajo presupuesto que había hecho, así que estaba muy nervioso y asustado. Fue una experiencia de miedo pero mantuve la calma e hice el corto. Hice de Mama’s boy una serie de cortos a los veintitantos. Cree
Mama's Boy con Christie Sanford, que interpretaba a la madre/monja en las versiones largas. Por tanto, en esencia, Me introduje yo mismo al mundo de hacer películas. Nunca he sido asistente de producción ni nada parecido. Solo quiero escribir, dirigir y musicar mis propias películas. Soy más como un director de orquesta o un aliñador de ensaladas.

-Tu madre, Mrs. Tomaselli, también es una fan devota de las pelis de terror e incluso ha aparecido e dos de las tuyas DESECRATION y SATAN´S PLAYGROUND. Volvera en alguna de tus proximas películas?

DT: Si, mi madre, que siempre a amado el cine de terror, me llevaba a verlas de pequeño, definitivamente tendrá un breve cameo en la mayoría de mis films. Me dio a luz a mí, así que...(risas). Cuando era más joven, mi madre fue actriz. También fue presidenta de la Asociación de interpretación de New Jersey, y practicábamos sus frases juntos. Así que nos divertimos trabajando en mis films. Es siempre como si fuera el destino.

-Tu primer film DESECRATION trata de monjas, la misma Iglesia, el catolicismo y la perdida de un ser querido aunque de forma alucinógena y hasta grimosa ¿Porque elegiste a actrices mayores para los personajes principales?.

DT: Estoy muy influenciado por la presencia de mi abuela en mi vida. Estabamos muy unidos. Me compraba montones de caramelos... y siempre me estaba dando tanto apoyo y energía espiritual positiva. M abuela Rose Ruocco, era como un ángel. Ahora ella es mi ángel de la guardia. Hice al personaje de la abuela en Desecration muy religioso... supersticioso y protectora con su nieto, como mi abuela lo fue conmigo.

-Te gusta que tus dos primeros films DESECRATION y HORROR son llamadas por muchos fans (yo mismo incluido) como experiencias “jodementes”? ¿Que te parece el uso del termino “jodementes”?

DT: Me encanta ese termino. Es una descripción apropiada. Si. Son películas de horror puzzle que existen completamente dentro de tu mente y son completamente impredecibles. Estoy intentando ilustrar estados interiores. Siempre estoy metido en laberintos. Me encanta el misterio.

-Tu segundo largometraje HORROR (mi favorita personalmente) no se parece a ningún film reciente que yo haya visto en muchos años y es, de lejos, tu mejor contribución al terror. DT:También la definiría como un film alegórico que mezcla un tono surrealista, la perdida de la fe y un montón de cuestiones sobrenaturales.

¿Te han influenciado los films de David Lynch o de otros cineastas a la hora de crear estas atmósferas perturbadoras?.

DT: Bueno, solo estoy influenciado por mis coloridas pesadillas. Cuando crecí, mis pesadillas eran interminables y siempre acababa visitando el mismo lugar una y otra vez. Practicaba algo llamado Ensoñamiento lucido. Mis películas son manifestaciones de mi psyche.

-¿No te molesta que seas encasillado como director de terror por los críticos?

DT: Soy fiel al horror. Estoy en esto 100% por el horror. Soy defensor de las pelis de terror. Siempre haré pelis de terror con el apremiante de hacer cada una más aterradora e interesante que la anterior. No podria dirigir otro tipo de película. Tampoco querría. Hay mucho que explorar dentro del género de terror.

-Te gustaría tener tu propia productora y hacer tus films o preferirías seguir trabajando para otros productores independientes?

DT:Me encantaría tener mi propia productora y producir ejecutivamente mis propios films. Pero si un productor ejecutivo realmente conecta conmigo, me encantaría trabajar como socios. Solo quiero hacer mis películas de la forma que sea posible.

-Has considerado la posibilidad de producir films -ya sean de terror o no – a otros aspirantes a realizadores?

DT: Cuando llegue a ese punto donde tenga más poder financiero, me gustaría producir a otros directores de terror. Si.

-Por favor dinos cinco actores y actrices con los que te gustaría trabajar en un futuro.

DT: Margot Kidder, Glenn Close, Debbie Harry, Karen Black, Olivia Hussey.

-¿Como ha sido trabajar con Felissa Rose, Edwin Neal y Ellen Sandweiss en SATAN´S PLAYGROUND?

DT: Fue una experiencia única, especial. ¡Increíble! Me sentí como si estuviera fuera del tiempo y el espacio. Cuando miraba a Ellen – Me transportaba fuera y pensaba en ella en “Posesión Infernal”. Lo mismo con Felissa y Edwin. “La Matanza de Texas” y “Sleepaway Camp” seguían acudiendo a mi cerebro. Todos trabajamos duro y nos hemos convertido en grandes amigos. ¡No puedo esperar a trabajar con estos iconos de culto del terror de nuevo! (*)

-Anchor Bay ha comprado recientemente SATAN´S PLAYGROUND para estrenarla en DVD el próximo verano en los States. ¿Puede haber un estreno en cines primero?

DT: Si. Anchor Bay menciono que podrían pasarla en algunas ciudades. Estoy tan excitado porque hayan comprado mi película. Son la mejor distribuidora de terror del mundo; Definitivamente me siento seguro. Mis pelis favoritas de todos los tiempos han sido distribuidas en DVD por Anchor Bay.

-Además compones, diriges, escribes y montas todos tus films algo te emparenta con gente como el veterano John Carpenter... ¿Cual es tu próxima fase?

DT:Yo solo quiero continuar dirigiendo y componiendo mis películas. Algunas veces, trabajare definitivamente con un co-guionista, como en el caso de “The Ocean”.

-¿Que piensas de la nueva moda de hacer remakes de pelis Japonesas, Coreanas o Chinas para las audiencias americanas. ¿Hay alguna película oriental que hayas disfrutado últimamente?

DT: Realmente no se mucho sobre cine asiatico. Estoy atrapado en el mundo de mis propios films y las viejas pelis de los 60s, 70s y principios de los 80s.

-Que podemos esperar de tu nuevo film THE OCEAN? Es una suspense apocalíptico sobre un misterioso virus tipo Ebola a que recorre una pequeña comunidad costera. En su núcleo, es sobre el hundimiento emocional de una familia.

-¿Harás definitivamente tu peli de zombis hecha y derecha que todos los fans han estado esperando? Definitivamente... y “The Ocean” tendra flashes de ellos. Realmente todas mis pelis han tenido personajes tipo zombis. Un día me gustaría hacer una película de zombis total. Llegara...

-Una ultima pregunta... ¿Cual será tu siguiente film tras acabar THE OCEAN?

DT: SALEM, pero no será una película de época.

Agustín Ignacio Agudo

(*) De echo en “The Ocean” Felissa repite y la mítica Adrianne Barbeau será la protagonista. si es que esta se lleva a cabo finalmente, ya que problemas de producción la han retrasado indefenidamente. Aunque el propio Dante nos ha confirmado que ahora mismo el guión de "The Ocean" se encuentra en las manos de una "internacional" productora española.
Para más información podéis echar un vistazo a http://www.horrorthemovie.com